Scritti d'artePosted by Marina Ciangoli 05 Jun, 2017 11:23La Civiltà e la Storia hanno il loro principio,
per convenzione, quando l’uomo inizia a scrivere, a documentare il proprio
passaggio sulla Terra. La scrittura, è il codice che trasferisce materialmente
la parola orale su un qualche supporto tangibile e visibile. Ma, l’essere umano
non ha iniziato a comunicare coi suoi simili, quando ha “inventato” la parola e
poi la scrittura, bensì quando ha cominciato a tracciare delle immagini sulle
pareti di una caverna.
L’immagine dunque, è la comunicazione primaria ed
è più arcaica della parola stessa: le immagini rupestri, precorrono la funzione
della parola: la comunicazione per immagini è un’attività primordiale, una
necessità ancestrale e naturale. Nel corso dei secoli e dei millenni, molte
sono le cose naturali che abbiamo sopito e sotterrato, e quell’antico passato,
quel bisogno innato, è in contrasto con la concezione attuale delle Arti, in
una società eccessivamente pragmatica e materiale, volta al guadagno e ad una
eccessiva concretezza, che di fatto annulla il valore di ciò che non è
tangibile, o meglio ancora, svaluta ciò che non ha una funzione pratica,
quotidiana e che non genera profluvi di denaro nell’immediato. Ma
l’annichilimento operato da un eccesso di pragmatismo, talvolta propagandato,
non riesce compiutamente ad avere la meglio. Tant’è, che l’arte e la cultura –
seppur a fatica, e specie in Italia – continuano a sopravvivere a testimonianza
di quella necessità primordiale. Un esempio più concreto ce lo danno i bambini:
fin dall’infanzia, l’essere umano è portato alla creazione per immagini, e
questo, non perché sia semplicemente una tipica attività infantile, piuttosto,
è proprio perché la comunicazione per immagini è insita nell’uomo, nel suo DNA.
Tramite il disegno, il bambino imita ciò che vede – ovvero quel che sta
imparando del mondo – o quello che prova, dunque narra con l’immagine la sua
condizione emotiva.
Senza scomodare e approfondire qui le ricerche e
le osservazioni della psicologia, non è affatto insolito trovare individui con
gravi difficoltà nella comunicazione verbale che al contrario hanno spiccate
doti e abilità nella comunicazione non verbale, quale può essere il disegno.
Ad ogni modo, tutte le espressioni non verbali
narrano ciò che siamo e il mondo in cui viviamo. Nella preistoria, ad esempio,
l’”arte” era necessariamente naturalistica perché vi era la necessità di
dominare la realtà – chiaramente per sopravvivere in un ambiente ostile e
selvaggio – e dunque, la raffigurazione doveva essere riconoscibile. Oggi siamo
agli antipodi, e lo spettatore medio con difficoltà si riconosce nell’arte, e
forse è proprio questo il punto: non si tratta di un eccesso di concettualismo
e provocazione a tutti i costi, potrebbe trattarsi di una difficoltà nel
guardarci dentro, nell’essere a contatto con quella parte di noi più nascosta e
profonda, con quella parte meno pratica. Forse. Qualunque sia la giusta
lettura, non dimentichiamoci che la cultura non è né un passatempo domenicale,
né un’attività per scansafatiche, ma piuttosto è una parte essenziale dell’essere
umano: sono certa che senza la possibilità di esprimersi attraverso le arti, e
di goderne gli esiti, il genere umano si sentirebbe smarrito come un cane che
non può abbaiare.
ContemporaneitàPosted by Marina Ciangoli 05 Apr, 2017 11:15L'artista di oggi è Emanuele Garletti, conosciuto col nome d'arte di Ernesto Galore. Fin dall'infanzia coltiva la passione per il disegno che lo porta ad acquisire una padronanza della mimesi con particolare intensità. Nonostante l'assiomatica abilità tecnica, la pittura di Galore, per sua stessa dichiarazione, trae spunto dall'istinto e dall'arte Espressionista. Ben visibile questa tendenza, non solo nelle tele dalle cromie squillanti, ma anche, e forse soprattutto, nella gestualità corposa e vibrante delle pennellate, che non tradiscono la rappresentazione e ne accentuano semmai la carica psicologica. Quest'ultimo aspetto è tra i più rilevanti, laddove i soggetti dipinti, sospesi nell'irreale tavolozza bianca e nera, manifestano e trascinano un'aneddotica quotidiana. L'olio su tela proposto quest'oggi è della sua più recente produzione e si tratta di un
Utitled, così è solito intitolare i suoi quadri, di notevoli dimensioni: 250 x 180 cm.
ContemporaneitàPosted by Marina Ciangoli 22 Mar, 2017 11:45Artista bresciana, nata nel 1973 e diplomatasi nel 1996 nella prestigiosa Accademia di Brera di Milano, Sara Scaremelli è un pittrice dalla tecnica sbalorditiva che indaga la psiche attraverso soggetti del tutto inaspettati. Se si è soliti ritenere che l'Io ha sede presso il volto, tanto che il ritratto, nonché la più complessa tematica dell'autoritratto, sono fra i più classici generi dell'arte, l'indirizzo pittorico di Sara Scaremelli ribalta il secolare assunto sia tematicamente che letteralmente. Tra le sue produzioni più tipicizzanti troviamo infatti una lunga serie di ritratti con soggetti... i piedi. Con la sua tecnica minuziosa, la pittrice non restituisce soltanto una mimesi suggestiva dei piedi umani, ma anche e soprattutto, la psicologia e l'emotività del soggetto cui appartengono quei piedi. Non solo il viso, o le mani, sono rivelatori di pensieri ed emozioni, ma anche i piedi dunque possono essere veicolo di un racconto psichico. In tal senso ecco proposta l'opera
Erotic feet 3, una tela ad olio del 2017, che misura 50x50 cm.
ContemporaneitàPosted by Marina Ciangoli 15 Mar, 2017 11:53Del 1933 l'abruzzese Gigino Falconi, si fa portavoce di uno stile figurativo trasognato,
ricco di richiami culturali medio-alti avvolti in un'atmosfera dal
gusto nordico e raffinato. I suoi esordi risalgono agli anni Sessanta, laddove indaga con poca convinzione, gli
stilemi più tipici dell'Informale. Ben presto però prende piede l'esigenza di costruire la rappresentazione secondo
una cifra stilistica in armonia con la mimesi, senza tralasciare un linguaggio del tutto personale. Negli anni Settanta Falconi
approda al figurativismo caratterizzato da scene tagliate ed interpolate, per poi arrivare alla piena maturità negli anni Novanta, con la sua tipica pittura intrisa di
luoghi umidi, dall'atmosfera sfuggente e dall'accento onirico. L'opera proposta oggi è
La castellana lunare una grande tela dipinta ad acrilico e datata 1994, dove protagonista è una melanconica donna vestita di bianco, dalle sembianze diafane con in mano una lattescente maschera del teatro, uno dei simboli pittorici più cari e ricorrenti del Maestro Falconi. Alle spalle della castellana, si erge una maestosa e monumentale luna,
infagottata quasi del tutto nell’oscurità. Sul terreno lunare, deserto e spettrale, si alzano antiche rovine di un castello medioevale: ne riamane una torre, e le rovine delle mura della fortezza,
nel palpabile silenzio tipico dell'arte di Falconi.
ContemporaneitàPosted by Marina Ciangoli 18 Jan, 2017 12:11E quest'oggi voglio portare la vostra
attenzione su uno scultore che come pochi ha fatto della sua cifra artistica la
sua riconoscibilità. Una parte essenziale, non da poco, è quella di far
emergere spontaneamente, nel fruitore, la risposta alla domanda: di chi è quest'opera?
Succede osservando le sculture di Gehard Demetz, che fa rimbalzare alla mente
subito il suo nome. Nato in quel di Bolzano nel 1972, ha fatto del legno il
suo medium principe, come vuole la tradizione altoatesina, ma utilizza altresì, con pari
maestria il bronzo. Una tecnica figurativa precisa e curata nel dettaglio quella
di Demetz, che fa del mondo infantile il suo soggetto prediletto. Ma la
caratteristica che ha la stessa funzione della firma, dell'auto affermazione, è di certo l'utilizzo delle fessure che frastagliano la materia lignea scultorea. Lo
spazio, dall'eco fontaniano, si interpola alla rappresentazione, istituendo
un rapporto di continuità tra arte e vita, tra reale e rappresentazione.
L'opera qui riportata è Gloomy Sunday una
scultura in legno datata 2007.
ContemporaneitàPosted by Marina Ciangoli 07 Dec, 2016 11:41Formatasi all'Accademia Albertina di Belle Arti di Torino l'artista proposta oggi è la pittrice
Claudia Giraudo. È tra la tecnica raffinata, tra echi stilistici nordici e cinquecenteschi, e una precisa cifra simbolica che prende forma la grammatica artistica della torinese, laddove figure ritratte in
vivide e articolate cromie si stagliano su fondi per lo più neutri
dalla tonalità zenitale. L'opera proposta si intitola
Doppio sogno, una grande tela dipinta con la tecnica ad olio, realizzata nel 2016. La figura chiave è
la bambina bendata che tiene fra le mani una
civetta, seduta alle spalle del
suo doppio in posa speculare con in mano una palla da gioco e con lo sguardo traverso, penetrante e vagamente oscuro rivolto verso lo spettatore. La
civetta simbolo della chiaroveggenza e della sapienza non a caso è tra le mani della bambina bendata come a dichiarare una visione e conoscenza interiore senza la frapposizione e mediazione dei sensi.
Scritti d'artePosted by Marina Ciangoli 05 Nov, 2016 12:21
Erwin Olaf vuol dire fotografia. È tra i più stimati esponenti della fotografia contemporanea, grazie alla sua cifra stilistica immediatamente riconoscibile, ad una poetica ben delineata, senza virtuosismi vuoti, e ad un’invidiabile conoscenza del mezzo tecnico fotografico.
Nasce nel 1959 a Hilversum in Olanda, ed è studiando alla Scuola di Giornalismo di Utrecht che si accosta alla fotografia. Ma non è il reportage la strada da battere per il giovane Olaf. L’aderenza alla realtà, tipica del linguaggio di reportage, non è in diretta continuità con la sua sensibilità artistica, che lo porta piuttosto a scovare e rimestare ciò che sobbolle e soggiace nella propria interiorità. Dal grado zero della fotografia, si sposta allora verso la messa in scena, vira in una realtà altra che subentra alla nostra, quasi fosse una mise en abyme. Anche se è ben dichiarato l’intento di Olaf di portare in scena e davanti l’obiettivo la propria realtà interiore, resta un sottile margine di instabilità tra ciò che vediamo, così reale e vissuto nella quotidianità di ognuno di noi, e quella sua tipica atmosfera straniante, mediata dall’uso della luce che è la chiave di volta, il fulcro e cuore pulsante di tutta la produzione artistica dell’olandese. Senza quella luce non ci sarebbe Erwin Olaf.
Quello che indaga Olaf con la sua ricerca artistica, non contempla solo i propri stati d'animo, ma anche ciò che la sua interiorità filtra del mondo esterno. Olaf in diverse interviste dichiara che spesso trae ispirazione dal divano di casa, guardando brutti programmi alla TV. Le incoerenze, le brutture, i taboo sono fonte d'ispirazione per i suoi lavori. Tra le serie da annoverare ci sono Hotel room, Grief, Hope, Key Hole e la recente Light. Una delle serie più riuscite e che più ha fatto discutere è stata senza dubbio Royal Blood del 2000, dove Olaf immortalava nei suoi scatti una serie di morti violente, di stampo ”regale”. Per chi si prende la briga di andare oltre il mero senso della vista, e non si lascerà impressionare da queste composizioni sanguinanti, avrà modo di scoprire un'analisi della nostra società ad opera di Olaf. Uno degli scatti più potenti, ritrae una rappresentazione della morte di Lady Diana.
La seduzione estetica di questa foto, e in genere di questa serie, trae forza e vigore dal messaggio lanciato dal fotografo: la nostra società venera la violenza, è ovunque, ma è un argomento di cui si discute solo superficialmente. Basta guardare un film dei nostri amici yankee: girare una scena violenta o girare una scena conviviale, spesso, è la stessa cosa! Nello specifico poi, la serie parla di quella morbosa fascinazione che sta attorno alle morti violente delle celebrità, in questo caso di personaggi della storia che hanno detenuto un qualche potere. E non c'è potere senza sangue versato, sangue che, lo si può tranquillamente interpretare come simbolo della Storia.
Non può che essere apprezzabile il gioco di contrasti, retto ad arte dall'opposizione tra la crudezza del contenuto e la bellezza irreale e perfetta della forma.
Spostandoci nel mercato dell’arte, Olaf si comporta più che bene, tenendo conto che la fotografia è un segmento a sé e considerato un genere “minore”. E questo va visto come un grosso vantaggio per gli amanti della fotografia, che possono aggiudicarsi buoni pezzi di interessati autori sia viventi che del passato.
Suoi top price provengono dalla serie Hope del 2005 e Grief del 2007.
In vetta troviamo il 4° esemplare di una tiratura di 10, intitolato The Hallway from Hope una stampa Lambda, montata con il metodo Diasec, che misura 119,7 x 171,5 cm, venduta dallamason Phillips per 34.663 euro nell’ottobre del 2014. A seguire in classifica troviamo Troy (Portrait) dalla serie Grief, una stampa Lambda di 132 x 99,7 cm datata 2007, proveniente da una collezione londinese aggiudicata, sempre da Philips, per 20.932 euro nel novembre del 2011. Medaglia di bronzo per un’altra fotografia della serie Hope, una stampa cromogenica, 2° esemplare di una tiratura di 10, dal titolo Hope 5 battuta all’asta da Chriestie’s per una cifra di 27.416 euro nell’ottobre del 2009 che misura 121,9 x 121,9 cm.
ContemporaneitàPosted by Marina Ciangoli 29 Oct, 2016 11:16L'artista proposta viene dal catanese, e ha scelto da diversi anni la
fotografia come suo medium espressivo: vi parlo di Alessandra Lanzafame. Formatasi allo IED di Roma, il cui progetto di laurea
Mad in Italy è stato
pubblicato su Repubblica nel 2012, Alessandra Lanzafame porta a galla un tormento interiore giocato su presenze fantasmiche dell'Io, che si riversano sulle inquietudini collettive taciute, se non assopite, legandosi a doppio filo con chi osserva le sue immagini fugaci. Se l'Io è per lo più rarefatto, sfuggente come un soffio, effimero come una lacrima che penetra nell'epidermide, le scene apparecchiate ad arte dalla fotografa, appaiono concrete e definite, in perfetto e antitetico equilibrio con la fragilità interiore. Attualmente sta lavorando ad un progetto che prevede una commistione tra fotografia e pittura con la collega e amica
Elisa Anfuso, per la quale posa come modella per i suoi quadri, dal titolo
(In)conscia veritas. L'opera qui proposta fa parte della serie
Autoscatti dell'anima - il non luogo, e si distingue per la sua vena cinematografica d'altri tempi, quasi fosse un poetico fotogramma rubato ad un film muto di inizio Novecento.
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